Tem a ver com o que diz o Perrone nos dois posts anteriores deste blog, tem a ver com decisões de distribuidores, atuação de críticos e postura de realizadores. Mas é, sobretudo, culpa dos espectadores.

De volta após quatro curtas semanas de férias, tomei pé de alguns números que só atestam a situação calamitosa do (bom) cinema nacional recente. Luz nas Trevas, retorno em excelente estilo do lendário Bandido da Luz Vermelha de Sganzerla. O Homem que Não Dormia, elogiado longa lyncheano de Edgard Navarro. Girimunho, linda combinação de autoficção, Guimarães Rosa e Apichatpong Weerasethakul. Uma Longa Viagem, o vencedor do Festival de Gramado que conta com o apelo da presença de Caio Blat. Nenhum deles superou, até aqui, atenção para este dado, a marca dos 3 mil ingressos vendidos nas salas brasileiras.

O fato de Xingu ter feito menos espectadores do que se imaginava, não só no RS (menos de 400 mil no país inteiro), e de Eu Receberia as Piores Notícias dos seus Lindos Lábios sequer ter batido na casa dos 50 mil (apesar de Camila Pitanga) não é ocasional. Está cada vez mais claro que o público está disposto a ver cinema nacional – desde que sejam comédias populares ou blockbusters com apelo social que transcende o cinema (Tropa de Elite é um ótimo exemplo). E só. Títulos de outros perfis invariavelmente naufragam em sua tentativa de comunicação com o público. Fossem vistos por 20 mil pessoas, filmes como Girimunho não poderiam ser considerados um fracasso, afinal, são indiscutivelmente mais restritos. Mas 1,2 mil na primeira semana de Uma Longa Viagem e 2,3 mil em poucos dias a mais para um filme-acontecimento tão significativo como Luz nas Trevas são números inexplicáveis.

A má estratégia dos distribuidores, a falta de atenção da crítica, o bairrismo dos gaúchos, enfim, os motivos para esta situação podem ser muitos, e os mais diversos. Todos, no entanto, são secundários. O fundamental é o desinteresse do público.

O que mais lamento é que este desinteresse coincide com o surgimento de novas gerações de cineastas talentosos, capazes de produzir longas belíssimos como O Céu sobre os Ombros, Riscado e Além da Estrada, entre outros. Em outras palavras: você está perdendo filmes muitíssimo interessantes, te liga.

Do elogiado O Homem que não Dormia ficou-se sabendo da chegada em cima da hora, com a programação enviada pela sala exibidora (está em cartaz em apenas uma e em dois horários). Romance de Formação entrou em uma sala e em apenas um horário. Nenhum dos dois ganhou espaço no jornal. Uma Longa Viagem teve melhor sorte por já ser conhecido dos festivais em que foi premiado (como Gramado e Paulínia). Ganhou uma página.

O espaço no jornal faz ou não faz diferença no desempenho de um filme pequeno? Já demos matérias de capa recentemente e avaliações muito positivas para filmes como os do projeto Vitrine (exemplo de divulgação competente), Heleno, Eu Receberia as Piores Notícias..., entre outros tantos que não foram exatamente sucesso de público - ou chegaram ao seu público potencialmente certo, vá saber. Mas dá para cravar que, se com divulgação pode mesmo assim ser ruim, sem divulgação alguma será ainda pior.

Mesmo que se assista a O Homem que não Dormia e a Romance de Formação no final de semana e se consiga um espaço nos próximos dias para falar deles, o estrago foi feito, pois a performance dos primeiros dias em cartaz costuma ser decisiva para o futuro de um filme com lançamento modesto.

Já Girimunho, que entra em cartaz nos próximos dias, teve cabine de imprensa nesta sexta-feira, o que dá um prazo decente para que busque no decorrer da semana entrevistar seus diretores (Clarissa Campolina e Helvécio Marins Jr.) e preparar um bom material para a estreia.

A conclusão disso tudo é que realizadores e distribuidores não podem reclamar de interesse de público por um filme  se o público por vezes desconhece a existência desse filme.  E não estamos falando de marketing pesado, mas sim de um simples release, uma foto decente, um DVD de serviço que seja diante do custo de realização de uma cabine. A impressão que passa é que às vezes nem os responsáveis pelo filme acreditam nele, ao ponto de jogá-lo  no circuito à própria sorte tão somente para cumprir cotas, metas, compromissos com investidores, etc. E nem vamos entrar no complexo mérito daqueles que não dependem de bilheteria por  já terem sido remunerados lá no início do projeto pelas leis de incentivo.

Uma consideração que imagino ser relevante nessa bronca do Fernando Meirelles com o público gaúcho por conta do fraco, na avaliação dele, desempenho de Xingu por aqui. O tema já deu pano pra manga em ZH, a começar por um texto exclusivo enviado pelo diretor e na reportagem que procurou investigar qual é, afinal, o gosto cinéfilo do espectador local (leia aqui).

Bom, um ponto importante a destacar é que os números nacionais de Xingu, mais de 300 mil espectadores, não são de todo ruins para um filme que, apesar do grande lançamento, não tem o perfil comercial que seus produtores possam ter imaginado que tivesse – para ser vendido, por exemplo, como uma aventura de heróis desbravadores em terras habitadas por índios hostis. Um indício disso é a percepção que reproduzo a seguir, de que o filme, pelo menos por aqui, não chegou adequadamente a seu público potencial.

Quem fala é Mônica Kanitz, programadora das três salas de cinema da Casa de Cultura Mario Quintana:

"Até já encaminhei para ele (Meirelles) um e-mail com algumas considerações... Acho, por exemplo, que um filme como esse não pode entrar num Cinemark da vida - o público-pipoca não tem esse perfil. O problema é que os caras querem arrecadar, querem grana, aí desconsideram a Cinemateca (nosso ingresso fica na média de R$ 5). Peguei o filme para dar continuidade e coloquei numa sessão só, na Paulo Amorim (150 lugares). No sábado passado, a sessão teve 123 pessoas, no domingo, 141 (mandamos gente embora, inclusive). E as duas sessões foram aplaudidas no final! Claro que isso foi no final de semana, mas mesmo durante a semana o público é sempre bom (com metade da sala, em média). Agora, por causa do Fantaspoa, tive que colocar o filme na Norberto Lubisco (50 lugares), mas agendamos duas sessões para tentar acomodar todo mundo. Outro detalhe muito importante: várias escolas estão ligando para agendar sessões para 50, 60 alunos. Já temos cinco marcadas para os próximos dias! Vamos fazer, inclusive, sessões pela manhã! Acho que um filme como o Xingu tinha que ter um lançamento mais bem pensado, valorizando escolas e os cinemas que têm um perfil alternativo, de autor. Tenho certeza que vai ficar muito tempo na Cinemateca - enquanto o público estiver bacana, nós vamos mantê-lo em cartaz!".

Diante disso, é equivocado generalizar que houve rejeição ao filme no RS. As pessoas estão indo assistir e estão gostando. Pode não ser na quantidade que Meirelles gostaria, mas isso é literalmente outro negócio.

Por fim, vale lembrar que essa bronca do cineasta com os gaúchos não é de agora. E o curioso é que tem filme dele que, proporcionalmente, saiu-se melhor aqui do que nas capitais de São Paulo e Rio, caso de Ensaio sobre a Cegueira. Os dados foram apurados pelo Carlos André Moreira junto ao Filme B, para a matéria acima referida: Rio : 98.452 espectadores (1,5% dos habitantes); São Paulo: 235.603 ( 2% dos habitantes); Porto Alegre: 40.409 (2,8% dos habitantes).

Em entrevista a ZH, em 2010, Meirelles já havia manifestado essa, digamos, indisposição com os gaúchos:

P – Há diferenças entre os públicos de um Estado e de outro no Brasil? Que diferenças seriam essas? R – Ha diferenças sim, mas nada comparada as diferenças que há entre o mercado gaúcho e o resto do Brasil. Há filmes que só vão bem no Rio Grande do Sul e outros que são solenemente ignorados aí.

P – Baseado na experiência com seus filmes, você considera que (...) o gaúcho seria mais resistente ao cinema nacional?

R – Do meu ponto de vista daqui do norte, cinema nacional para gaúcho é o cinema feito pelo Jorge Furtado, pelo Gerbase, Reichenbach, Paulo Nascimento, Nadotti, etc. Nem sei se os gaúchos sabem que existe terra habitada ao norte de Frederico Westphalen.

A quem tiver mais interesse nessa pendenga sem fim (e sem propósito) do cinema nacional x gaúchos, já tratamos do tema AQUI e AQUI.

Chris Hemsworth, como Thor, e Chris Evans, como Capitão América. Foto: Estúdios Marvel

Talvez seja engraçado dizer isso, mas, embora vendido por aí como filme de ação, Os Vingadores é um filme retórico. Passando rapidamente por cima de dois mil anos de estudos sobre o tema, simplifiquemos a retórica como a sistematização das técnicas pelas quais uma linguagem é usada para o convencimento. E, embora sua trama possa passar longe da lógica, seus personagens sejam super-heróis e seus recursos visuais não sejam inventivos como os vistos em Batman ou X-Men, Os Vingadores tem um roteiro de tal modo concatenado e usa os recursos de maneira tão eficiente que, no final da sessão, convence.

De modo geral, a trama de um filme de super-heróis não prima pela lógica cartesiana a começar pela sua mais básica premissa: a existência de super-heróis. A de Os Vingadores, por exemplo, poderia ser resumida por: agência supersecreta recruta grupo de super-humanos para lutar contra uma invasão alienígena liderada por um deus nórdico de outra dimensão. O que faz diferença em um filme de quadrinhos é o olhar de cada artista sobre o material — razão pela qual X-Men, Batman e Homem-Aranha deram tão certo. Joss Whedon, o diretor de Os Vingadores, não é um artista visual tão inventivo quanto os demais, mas revela-se um hábil malabarista: tendo que lidar com quase uma dezena de personagens com voz, vez e relevância para o andamento do filme, consegue equilibrar todos os elementos em um filme de ação que empolga na maior parte do tempo, e no qual a conjunção de vários pequenos acertos salva a produção de ser um equívoco.

Um dos acertos: contar com pelo menos alguns atores de verdade. Whedon consegue finalmente fazer o Hulk ter razão de ser. Enquanto humano, Mark Ruffalo retrata de modo apropriado o turbilhão de emoções contidas que é estar sempre à beira de virar outra pessoa, maior, mais forte e infinitamente mais perigosa. Como Hulk, além de a figura criada por computação gráfica destoar menos do conjunto pela ausência de planos e cenários abertos, o monstro proporciona um insuspeitado alívio cômico. A garra de Robert Downey Jr. como Tony Stark — que pôs a perder Homem de Ferro 2 e poderia descambar para o exagero em um novo filme solo — está na medida devido ao fato de ele ter de compartilhar tempo com os demais. Tom Hiddleston, como Loki, oferece um vilão manipulador e insidioso, e a cena de ação final prova, por comparação, quão constrangedoras eram as do filme solo do Thor.

Nem tudo funciona, claro: Whedon tende a ser verborrágico em alguns momentos — os bate-bocas entre os heróis por vezes imitam algumas das piores características dos textos antigos de Stan Lee. E a velha "premissa Marvel" de que heróis precisam trocar porrada entre si antes de se aliarem pelo bem comum pode valer no gibi, mas na tela parece encheção de linguiça.

No conjunto, contudo, este antigo leitor das aventuras de Os Vingadores ainda na extinta revista Heróis da TV saiu empolgado com os Heróis no Cinema. Até sentar para escrever este texto, quando algumas falhas começaram a sobressair, a sensação era de aprovação quase plena.

O que prova o quanto Os Vingadores é eficiente como filme retórico.

Os Vingadores

Eu fui um deles, no duplo papel de crítico e fã. Minhas duas identidades saíram mais frustradas do que felizes. Ok, Os Vingadores tem aquilo que se espera de um filme que reúne super-heróis, ou seja, o conflito de egos, a divergência de ideias, superbrigas emolduradas por frases de efeito. Mas as, digamos, discussões morais são rasas como um gibi de antigamente, e as cenas de ação são apenas sujas e ruidosas, nada inventivas.

A trama é ao mesmo tempo banal _ a turma de superpoderosos precisa juntar forças para salvar a Terra _ e complexa (vai um martelo Mjolnir para quem explicar direito o Tesseract). É bacana e até empolgante a maneira como os Vingadores são recrutados pela S.H.I.E.L.D. do coronel Nick Fury (Samuel L. Jackson interpretando seu papel de sempre, só que com tapa-olho). Mas o sexteto formado é desparelho: o Gavião Arqueiro é um herói de segundo escalão, e, fator Scarlett Johansson à parte, a Viúva Negra não combina com aquele universo. Prova é o confronto com os Chitauri, espécie de Orcs versão alienígena _ todo mundo lutando com raios repulsores, escudo indestrutível, martelo mágico, flechas explosivas e, hã, gigantescos punhos verdes; e Natasha Romanoff com uma reles pistolinha...

As pessoas têm dito que Os Vingadores é engraçado. E é mesmo, há diálogos e tiradas impagáveis, especialmente quando saem da boca do Tony Stark vivido por Robert Downey Jr. Mas "engraçado" não deveria ser o principal adjetivo para classificar um filme com personagens tão épicos e/ou trágicos como o Capitão América (o cara passou 70 anos congelado!), Hulk (a versão moderna de Jekyll and Hyde) e Thor (um deus nórdico, ora).

Entre mortos e feridos (e há de serem muitos naquele combate final pelas ruas e pelos céus de Nova York), salvam-se:

_ Como era esperado, depois do filme do Thor, o Loki encarnado por Tom Hiddleston é um belo vilão, malicioso e imprevisível;

_ A superluta na floresta envolvendo Thor, Homem de Ferro e Capitão América;

_ Hulk (enfim) esmaga! Não só Mark Ruffalo faz o melhor Dr. Banner do cinema, como também o Hulk fabricado de Os Vingadores é o mais real (no corpo computadorizado) e o mais fiel (no espírito do personagem) às HQs. É a entrada do Golias Esmeralda em ação que torna o filme mais agradável, mais emocionante, mais vibrante, mais divertido _ duas cenas, uma com Thor, a outra com Loki, são hilariantes.

Resumindo: vai faltar pipoca nos cinemas, mas que venha a gravidade e a tensão de O Cavaleiro das Trevas Ressurge. Faltam 87 dias.

Os fãs de Quentin Tarantino contam os dias até 25 de dezembro, data de estreia nos EUA do faroeste Django Unchained – no Brasil, o filme chega em 18 de janeiro. As primeiras imagens divulgadas apresentam os protagonistas da trama ambientada no sul dos EUA à época da Guerra Civil americana.

Jamie Foxx vive Django, escravo fugitivo que deseja se vingar de seus antigos senhores e reencontrar a mulher. Em sua busca, ele se junta a Schultz, um caçador de recompensas vivido por Christoph Waltz, que trabalhou com Tarantino em Bastardos Inglórios – no desempenho antológico que lhe valeu o prêmio de melhor ator em Cannes e o Oscar de coadjuvante.

Já Leonardo DiCaprio interpreta o vilão, Calvin (Leonardo DiCaprio), fazendeiro que tem o hábito cruel de fazer de seus escravos gladiadores que lutam até a morte. É com ele e seus capangas que Django e Schultz vão cruzar. O elenco traz ainda dois chapas de Tarantino, Kurt Russell (À Prova de Morte) e Samuel L. Jackson (Pulp Fiction), além de Sacha Baron Cohen e Don Johnson.

Embora o faroeste, sobretudo o universo criado pelo italiano Sergio Leone, seja uma das influências mais caras de Tarantino no seu inventivo cinema recorte-cole-transforme-recicle, Django Unchained é primeira incursão do diretor no gênero.

As Praias de Agnès é o filme de uma vida. No sentido estrito, pois trata-se de um registro biográfico, e no metafórico, por ser daquelas arrebatadoras obras máximas que todo artista sonha em realizar.

Se Agnès Varda apenas ficasse diante da câmera para contar histórias de sua vida e mostrar trechos de seus filmes, certamente já se teria um documentário dos mais relevantes. Mas o que essa inventiva e permanentemente inquieta realizadora de 83 anos faz nesse que anunciou como seu último longa-metragem, lançado em 2008, é um criativo autorretrato. E nele potencializa seu talento narrativo, seu olhar humanista de cineasta, fotógrafa e artista plástica e seu afeto de mãe e avó.

"Se você abrir uma pessoa, irá achar paisagens. Se me abrir, irá achar praias", diz Agnès, apresentando-se como uma "vovozinha gordinha e apaixonada com grande interesse em pessoas". E são pessoas que revivem nesta reflexão sobre o tempo e a memória que tem como partida o litoral da Bélgica, com ela lembrando as férias da infância com a família nas praias no Mar do Norte. Sobre as areias de uma praia, Agnès apresenta sua equipe, coloca espelhos, móveis e molduras, objetos que são como portais de uma entrada para uma outra dimensão, na qual ela é a guia de uma divertida viagem no tempo e no espaço que ora flerta com o rigor do cinema-verdade, ora ganha um tom próximo do fabular, ora se deixa levar por digressões sentimentais. Alterna um segmento documental com outro de tresloucada alegoria, como encenar um espetáculo circense à beira-mar, colocar-se, como Jonas, no ventre de uma baleia cenográfica, pilotar um carro de papelão ou ser entrevistada pela caricatura do simpático gato criado pelo amigo Chris Marker.

As ondas do mar ditaram o ritmo da vida de Agnès. Para ela, a aparente serenidade daquele eterno vai-e-vem é o contraponto para as constantes e por vezes bruscas mutações da vida. Em 1940, em meio à II Guerra, fugiu com os pais e os quatro irmãos para a França. Morando em cidades costeiras, trabalhou em colônias de pescadores, interessou-se pela fotografia e pelo registro da vida cotidiana no Mediterrâneo, viés documental que seria a marca do seu cinema. Já vivendo em Paris, Agnès foi a protagonista feminina da nova onda do cinema francês, ao lado de Jean-Luc Godard, François Truffaut, Alain Resnais e Jacques Demy, com quem se casou.

Fotografia, cinema, pintura, poesia e música são algumas das paixões que a diretora combina em seu tributo memorialista. As imagens que lhe faltam no baú de recordações, Agnès recria ficcionalmente. Ela volta a lugares de sua juventude, reencontra amigos e os confronta com imagens que fez deles décadas antes - em um segmento de beleza ímpar, faz senhores se emocionaram ao verem seus pais quando jovens -, revive a tragédia da ocupação nazista, lembra alguns de seus grandes filmes - como Cléo das 5 às 7 (1962), Sem Teto Sem Lei (1985) e Os Catadores e Eu (2000), recorta fragmentos biográficos de seus curtas experimentais.

Agnès destaca ainda que foi com ela que atores como Philippe Noiret e Gérard Depardieu iniciaram no cinema, expõe a intimidade doméstica colocando filhos netos a interagir com ela, lembra a relação apaixonada com Demy (1931 - 1990) e dor de perdê-lo precocemente. Brinca sobre sua ausência no Maio de 68: "Não estava lá". À época, passava uma temporada nos EUA, engajada nos protestos contra a Guerra do Vietnã e nos filmes que fazia com grupo radical Panteras Negras e outras figuras de frente na luta pelos direitos civis. Antes, havia passado por Cuba, encantada que estava com a revolução socialista e a salsa da ilha de Fidel (é dela uma das mais famosas fotos do líder cubano, que o mostra diante de pedras que simulam asas - veja abaixo), e pela China, registrando a Revolução Cultural de Mao.

Este paralelo que Agnès faz entre a perenidade das onda do mar e fugacidade de vida é o fio condutor desse que é , mais que um documentário, um filme-ensaio no qual criadora e suas criações (artísticas e biológicas) se fundem de maneira orgânica. Brotam da tela tanto a melancolia que regem os balanços existenciais da maturidade quanto o genuíno deslumbramento juvenil diante das boas descobertas. Das janelas físicas e imaginárias que a cineasta abre diante do espectador é possível olhar tanto para dentro, e vislumbar um imensurável tesouro afetivo, e para além do horizonte, até onde alcança sua imaginação. Enfim, recordar é viver. Ou como diz Agnès: "Enquanto viver, eu lembro".

Confira o trailer de As Praias de Agnès (são dois juntos, espere um pouquinho antes de entrar o segundo):

E a tal foto do Fidel:

Esta relação, que inclui uma mítica conversa entre ambos que durou 13 horas em 27 de fevereiro de 1907, é o tema central de Um Método Perigoso, longa-metragem que estreia nesta sexta-feira no país. Seu diretor, David Cronenberg, estabeleceu como principal elo entre os dois a figura de Sabina Spielrein, judia russa que se tornou paciente de Jung e o intrigou por conta do prazer que sentia ao receber castigos físicos do pai.

Esta Electra dos primórdios da psicanálise é interpretada por Keira Knightley num registro bastante discutível – sua performance é propositalmente exagerada –, enquanto Freud e o protagonista Jung, respectivamente encarnados por Viggo Mortensen e Michael Fassbender (também em cartaz como o protagonista de Shame), encontram um tom adequado entre a sabedoria intelectual e as recorrentes dificuldades de lidar com aquilo que desconhecem.

Cronenberg, mestre absoluto de um cinema físico no qual as pulsões psicológicas são invariavelmente traduzidas em imagens de uma crueza extraordinária, aqui exercita uma contenção não vista nem mesmo nos recentes Marcas da Violência (2005) e Senhores do Crime (2007), dois dos filmes mais facilmente digeríveis de toda a sua extensa carreira. Não que haja incoerência, como alguns dos fãs mais radicais do cineasta canadense de 69 anos já denunciaram: nem as fachadas decorosas da Viena da virada do século 19 para o 20 escondem os impulsos bestiais dos personagens, aí incluída a notável dupla de médicos – as nuanças de suas personalidades estão entre aquilo que de melhor Um Método Perigoso tem a oferecer ao espectador.

Escrito pelo oscarizado roteirista e dramaturgo Christopher Hampton a partir de seu próprio livro The Talking Cure e de A Most Dangerous Method, de John Kerr, o longa não deixa de ser um retrato de um triângulo amoroso em todas as suas trivialidades. Mas é bom por conta da capacidade de articulação de suas inúmeras sutilezas, que falam sobre temas atemporais e genéricos como repressão e libertação e específicos como as referências à I Guerra Mundial que estava prestes a eclodir.

Não se pode dizer, no entanto, que todas as pretensões de Cronenberg estão plenamente correspondidas. Se a ideia de construção da sociabilidade a partir da ocultação de fantasmas e vergonhas mantém a atualidade da dramaturgia de Um Método Perigoso, a personagem de Sabina, que deveria simbolizar esta premissa, não tem a empatia necessária para cativar o público. Notável pela arquitetura de temas e pela complexidade de suas abordagens, o filme sofre pela dificuldade de emocionar aqueles que se dispuserem a assisti-lo.

No ano passado, na apresentação de Habemus Papam no Festival de Cannes, no qual ganhou a Palma de Ouro com O Quarto do Filho (2001) e o prêmio de direção por Caro Diário (1993), Moretti avisou: "Muita gente esperava que eu denunciasse certas coisas do Vaticano. Todos conhecemos os escândalos de pedofilia e as notícias sobre a crise de autoridade da igreja. Isso é um bom motivo para não falar deles de novo".

De fato, o foco do diretor, o mesmo que esculhambou o político magnata Silvio Berlusconi em O Crocodilo (2006), está menos sobre questões teológicas e institucionais e mais sobre o plano terreno das aflições humanas. Habemus Papam trata do embate entre o desejo e a vocação, entre o destino seguido em linha reta por inércia e os caminhos tortos por vezes necessários tomar rumo a uma reviravolta na vida.

Seu protagonista é o cardeal Melville, brilhantemente interpretado pelo veterano ator francês Michel Piccoli. Figura coadjuvante no conclave que está elegendo um novo papa, ele, diante do impasse que não consegue definir o escolhido entre os favoritos que despontam, acaba sendo aclamado por consenso no peculiar sufrágio canônico. Mas antes que o anúncio seja feito, o Sumo Pontífice surta e emite um urro que ecoa pela Capela Sistina: “Eu não consigo!”.

Tem início uma tensa corrida contra o relógio para dar satisfação ao mundo do porque, eleito o novo papa, ele não é revelado. Nesses primeiros movimentos, o tom de humor de Habemus Papam é mais escrachado, da encenação do sisudo conclave eleitoral aos meios que as autoridades religiosas buscam para solucionar o impasse. Entre eles, está arrumar um integrante da Guarda Suíça para fazer as vezes de dublê nos aposentos do papa e convocar um conceituado psicanalista, vivido pelo próprio Moretti. A entrada em cena do terapeuta, ateu como o diretor, rende diálogos espirituosos, como discutir se os conceitos de alma e inconsciente podem coexistir e a imposição de abordar o “paciente” com discrição, sem prospectar traumas de infância ou desvios sexuais.

Diferentemente do que sugere com esse encontro,  Moretti logo desvia do embate entre fé e razão para conduzir seu filme numa clave mais dramática. Ao fugir do Vaticano, o novo papa depara nas ruas de Roma com sua antiga aspiração da juventude, o que torna ainda mais angustiante sua crise existencial. Esse guinada de ritmo pode parecer brusca, mas sublinha, sobretudo amarrada no emotivo desfecho, que o objetivo de Moretti não foi o de criar polêmica. Buscou sim, de forma alegórica e agridoce,  mais que falar sobre as responsabilidades do poder, colocar o livre-arbítrio sob perspectiva mais filosófica que religiosa.

Isso diz muito sobre como o Brasil trata seus temas tabus na tevê e no cinema.

Podemos aqui falar de racismo, assunto raramente discutido com a contundência que merece, tanto nas produções nacionais quanto nas estrangeiras adquiridas pelas distribuidoras brasileiras para exibição no país – pense bem na forma pasteurizada com que este tema é tratado em Histórias Cruzadas antes de citar o longa indicado ao Oscar 2012. À exceção da violência, só entramos em temas delicados com muito receio e, aparentemente, vontade de discutir as coisas de maneira superficial ou restrita.

Também devemos aqui lembrar que, em Drive, a violência é estilizada, gráfica, o que diferencia o seu tratamento, por parte dos autores de um filme, e a sua absorção, por parte dos seus espectadores. No fundo, no entanto, isso só reforça a impressão de que falamos sobre a violência de uma maneira muito menos presa e, mais do que isso, muito mais profunda do que falamos sobre o sexo – ou o racismo.

Pense bem: você acha que os mesmos responsáveis por classificar Drive como um filme 16 anos e Shame como um 18 teriam outro veredito que não proibir a exibição de A Serbian Film no país, no ano passado, caso suas sequências mais chocantes não envolvessem estupro? Lembro, alguns anos atrás, de Tolerância, de Carlos Gerbase, longa que recebeu uma absurda classificação etária 18 anos por conta de duas ou três cenas de sexo que nem explícito era. Explícito, esta é a palavra: a violência pode, o sexo, não. Mas, espera, eu disse que o sexo não é explícito, nem em Tolerância, nem em Shame – imagina se fosse.

Está mais do que claro que as restrições a temas tabu que não a violência são sempre maiores. E não exclusivamente por parte dos responsáveis pelas classificações etárias de filmes e programas de tevê – eles apenas refletem um moralismo que é amplo e generalizado, e que se revela por completo a cada vez que o tema é tratado no cinema. Aguarde A Febre do Rato, de Cláudio Assis, e Eu Receberia as Piores Notícias de seus Lindos Lábios, de Beto Brant, dois dos títulos brasileiros mais interessantes que vão estrear em 2012: entre outras coisas, eles ousam falar de sexo apresentando... cenas de sexo. É muito atrevimento.

Michael Fassbender em Shame