Volume (Encerrado)

Texto por Fernanda Scur

Fotos: Fábio Codevilla

Aconteceu ontem o primeiro de quatro shows que Chico Buarque irá fazer na capital, que integram a turnê Chico, título de seu novo disco lançado em julho passado. Em um Teatro do Sesi lotado (os dois primeiros shows tiveram seus ingressos esgotados em apenas dois dias), os músicos que já acompanham Chico desde seus últimos dois espetáculos – As Cidades de 1999 e Carioca de 2006 – assumiram tranquilamente seus instrumentos com um pequeno atraso de 10 minutos.

>>>>> Veja mais fotos do show

Chico ainda não havia entrado quando avisos gerais sobre o show são anunciados e uma falha no sistema de som corta o locutor justamente quando falava sobre as regras de gravação do espetáculo. A risada foi geral, já anunciando o tom relax do espetáculo por vir. Assim que as luzes se apagam, Chico entra e é ovacionado com o entusiamo que se espera de um público ansioso depois de um hiato de 5 anos desde seu último espetáculo.

Entre gritos de “lindo”, “maravilhoso” e “eu te amo”, Chico passeia entre as músicas de seu novo álbum intercalando-as com antigos sucessos que espelham todas as fases de sua carreira de 45 anos. Ao engatar Teresinha depois O meu Amor, da Ópera do Malandro (77/78), Chico arrancou os maiores suspiros da platéia e até algumas lágrimas de emoção, para então animar com Ana de Amsterdam (72/73). Na música Valsa Brasileira, Chico inicia errado e com a maior naturalidade larga “Ih gente, errei tudo aqui”. A platéia acha uma graça e ri.

Geni e o Zepelin (77/78) foi um dos pontos altos do espetáculo, com a platéia fazendo coro e em seguida, depois de apresentar os músicos, faz um dueto lindo com Wilson das Neves, a quem chama de seu “personal batera”, cantando Sou eu (2009), parceria com Ivan Lins, e Tereza da praia, de Tom Jobin e Billy Blanco (1954).

Ao final do show, Chico se despede de uma platéia que o aplaude de pé. Volta para o bis, para um público que aplaude sem parar – de pé ainda – e se despede uma segunda vez. Mas não tem jeito, os fãs não arredam o pé e Chico volta para um último bis cantando Na carreira. Simplesmente memorável.

Chico se apresenta em Porto Alegre até quinta-feira, no Teatro do SESI, às 21h. Da capital segue para Novo Hamburgo, onde se apresenta sexta-feira no Teatro Feevale (ainda há ingressos; veja aqui).

Set list do show:

- Velho Francisco (Chico Buarque) – 1987
– De Volta ao Samba (Chico Buarque) – 1993
– Desalento (Vinicius de Moraes / Chico Buarque) – 1970
– Injuriado (Chico Buarque) – 1998
– Querido Diário (Chico Buarque) – 2011
– Rubato (Jorge Helder / Chico Buarque) – 2011
– Choro Bandido (Edu Lobo / Chico Buarque) – 1985
– Essa Pequena (Chico Buarque) – 2011
– Tipo um Baião (Chico Buarque) – 2011
– Se Eu Soubesse (Chico Buarque) – 2011
– Sem Você 2 (Chico Buarque) – 2011
– Bastidores (Chico Buarque) – 1980
– Todo o Sentimento (Cristóvão Bastos / Chico Buarque) – 1987
– O meu Amor/Teresinha (Chico Buarque) – 1977-1978 / 1977-1978
– Ana de Amsterdan (Ruy Guerra / Chico Buarque) – 1972-1973
– Anos Dourados (Tom Jobim / Chico Buarque) – 1986
– Sob Medida (Chico Buarque) – 1979
– Nina (Chico Buarque) – 2011
– Valsa Brasileira (Edu Lobo / Chico Buarque) – 1987-1988
– Geni e o Zepelin (Chico Buarque) – 1977-1978
– Barafunda (Chico Buarque) – 2011
- Sou Eu (Ivan Lins / Chico Buarque) – 2009
– Tereza da Praia (Tom Jobim / Billy Blanco) – 1954
– A Violeira (Tom Jobim / Chico Buarque) – 1983
– Baioque (Chico Buarque) – 1972
Citação: My Mammy (Walter Donaldson / Joe Young e Sam M. Lewis) – 1918
– Cálice (Gilberto Gil / Chico Buarque) – 1973
– Sinhá (João Bosco / Chico Buarque) – 2011

Bis:

- A Felicidade
– Futuros Amantes
– Na Carreira

>>>>> Almanaque remonta vida de Chico Buarque

Atualizado dia 14.11, 12h

Fotos: Jean Schwarz

O show do Pearl Jam Porto Alegre ontem, 11.11.11, foi um espetáculo de rock em estado de arte. Uma das bandas mais coesas do mundo, o grupo de Seattle encerrou a turnê brasileira repassando boa parte de seu repertório de 20 anos de estrada em aproximadamente 2h40min de música – o show mais extenso do giro nacional.

Como se dissesse que não queria ir embora do Brasil, o Pearl Jam abriu a noite com Why Go. E, sabendo que não poderia ficar, encerrou o segundo e último bis com Yellow Ledbetter e seu refrão “I don’t wanna stay”.

Entre o início e o final, a banda apresentou um setlist gigante no Estádio do Zequinha, abrangendo as diversas fases pelas quais os músicos passaram. Assim como a longa discografia, a lista de músicas transitou entre rock puro, grunge, hardcore, hard rock, metal, punk e baladas pop, com mais ou menos intensidade.

Durante todo o show, a banda se entregou ao público sem amarras, mas também sem exageros. Discretos, focados na música e na parceria com os cerca de 20 mil fãs, os caras mostraram que rock’n’roll se faz mais com guitarras, baixo e bateria do que com estrelismo vazio de rock star. It’s all about music, it’s all about art.

Houve momentos grandiosos, como a interpretação visceral na voz rouca de Eddie Vedder, os solos de guitarra verborrágicos de Mike McCready (no melhor estilo Neil Young/Jimmy Page, como em Alive, já no fim do show) e a bateria marcante de Matt Cameron.

Também houve tempo para intervenções de Eddie em um português cômico e adorável, parabéns coletivo a sua mulher, Jill, que estava de aniversário ontem, homenagem à Johnny Ramone, fãs no palco e a tradicional louvação ao público brasileiro: “Este é o nosso último show no Brasil. Foram shows incríveis. Agora vamos lembrar que o público brasileiro é o melhor do mundo”.

Entre os muitos pontos altos da apresentação estiveram Do the Evolution, Got Some, Even Flow, Black, Daughter, Just Breathe, The Fixer, Oceans (de arrepiar), Given to Fly, Light Years, Better Man, Wishlist, I Belive in Miracles (cover dos Ramones), e a parte final com Rearview Mirror (totalmente inesquecível), Last Kiss, Jeremy, Alive, Rockin’ in the Free World (cover da obra de arte de Neil Young) e Indifference. Resultado? Galera vibrando, braços ao alto e garganta ardendo!

Seis anos após sua primeira passagem por Porto Alegre, o Pearl Jam fez indiscutivelmente um dos shows do ano na cidade. Uma noite rock histórica neste histórico 11.11.11. E a banda prometeu voltar em breve. Que seja no 12.12.12!

Setlist

Why Go

Do The Evolution

Severed Hand

Corduroy

Got Some

Low Light

Given To Fly

Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town

Even Flow

Unthought Known

Present Tense

Daughter/Blitzkrieg Bog (cover dos Ramones)/It’s Okay

1/2 Full

Wishlist

Rats

State Of Love And Trust

Black

Bis 1

Just Breathe (para Jill)

Oceans

Comatose

Light Years

I Believe In Miracles (cover dos Ramones)

The Fixer

Rearviewmirror

Bis 2

Last Kiss (cover de Wayne Cochran)

Betterman/Save It For Later (cover de The English Beat)

Crazy Mary (cover de Victoria Williams)

Jeremy

Alive

Rockin’ In The Free World (cover de Neil Young)

Indifference

Yellow Ledbetter/Little Wing-Hendrix

> A imprensa foi proibida de gravar vídeos. Veja o show em POA no Youtube. Agora, o Pearl Jam segue para a Argentina, Chile, Peru, Costa Rica e México.

> Mais fotos do show em POA clicadas pelo Fábio Codevila

> Mais Pearl Jam

Fotos: Mauro Vieira

Por Fernanda Scur

O ex-Beatle Ringo Starr deu início ontem à primeira turnê  brasileira de sua All Starr Band no ginásio do Gigantinho, em Porto Alegre, frente a um público bastante variado, de crianças a idosos, que tinham em comum a adoração pelos Fab Four.

>>>>> Veja a galeria de fotos do show

Ringo, 71 anos, entrou todo de preto e óculos escuros em um palco decorado com um painel de flores gigantes com uma estrela mais gigante ainda no centro, cantando uma de suas músicas mais famosas, It don’t come easy, de 1971.  As palmas e os gritos na plateia demoraram a cessar e Ringo engatou com Honey Don’t, de 1964 – música cantada por ele quando ainda era dos Beatles. Mas foi pouco depois, quando sentou na bateria, que a platéia realmente veio abaixo.

Das 22 músicas do show, somente 11 foram cantadas por Ringo, que deixou os sete integrantes da banda protagonizarem o restante. Em um momento da apresentação, inclusive, o músico deixou o palco para uma longa pausa. Das músicas cantadas por Ringo, seis foram faixas eternizadas pelos Beatles e o restante eram músicas de sua carreira solo, tanto do início, como Back off Boogaloo (1972) ou mais atuais como a The Other Side of Liverpool de seu disco último disco, Y Not de 2010. No entanto, deixou alguns fãs desapontados por deixar de fora clássicos como Octopus’s Garden.

Ringo tem no currículo músicas para fazer um show solo de qualidade, apesar de ser o Beatle mais apagado e considerado por muitos um grande sortudo. Ao invés disso, optou por montar um show onde ele não é a atração principal.

Mesmo assim, ficou claro que os pontos altos do show eram as participações de Ringo. A reação da platéia esfriava um pouco quando os outros integrantes tomavam as rédeas. O ponto mais alto do show foi quando Ringo cantou Yellow Submarine, com direito a balões amarelos lançados sobre a plateia fazendo um bonito show visual.

O show terminou em alto estilo com Photograph, música escrita para Ringo por George Harrison, e With a Little Help From My Friends, que foi emendada com Give Peace a Chance. Depois, Ringo se despediu da platéia.

Agora, ele segue para São Paulo, onde se apresenta sábado e domingo, e depois vai para o Rio e outras capitais brasileiras.

Veja abaixo o setlist do show:

It Don’t Come Easy
Honey Don’t
Choose Love
Hang On Sloopy (com Rick Derringer)
Free Ride (com Edgar Winter)
Talking in Your Sleep (com Wally Palmar)
I Wanna Be Your Man
Dream Weaver (com Gary Wright)
Kyrie (com Richard Page)
The Other Side of Liverpool
Yellow Submarine
Frankenstein (com Edgar Winter)
Back off Boogaloo
What I Like About You (com Wally Palmar)
Rock & Roll, Hoochie Koo (com Rick Derringer)
Boys
Love Is Alive (com Garry Wright)
Broken Wings (com Richard Page)
Photograph
Act Naturally
With A Little Help From My Friends
Give Peace a Chance

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Reel Big Fish foi a banda mais esperada da noite | Fotos: Larissa Oliveira

A noite da última quinta-feira entrou para a história para os fãs de ska e punk rock de Porto Alegre. As bandas californianas Goldfinger e Reel Big Fish tocaram pela primeira vez na capital gaúcha. Ambos os grupos abusaram do bom humor característico de quem faz ska. A primeira, com mais peso. E a segunda, com mais cores e ritmos.

Reel Big Fish: clima californiano na Capital

Larissa Oliveira

Quase dava para se sentir a brisa do mar da Califórnia pairando no ar do Opinião na noite desta quinta-feira. Após a curta, porém emocionante, apresentação do Goldfinger, o suingue e a animação contagiante do punk ska do Reel Big Fish subiu ao palco para mostrar que os rockers porto-alegrenses também são dotados de malemolência. Ok, talvez, nem tanta malemolência assim, mas cheios de empolgação com certeza.

Deixando de lado a sobriedade da camisa preta com a qual tinha se apresentado minutos antes com os conterrâneos da Goldfinger, Aron Berret vestiu sua camisa floral característica para mostrar que o bom humor dos “pescadores” de Huntington Beach continua afiadíssimo. Bom humor, inclusive, presente em todos os membros da trupe, que por várias vezes exibiram chutes, pulos e passos sincronizados diante da plateia.

Talvez ainda absorvidos pelo hardcore da apresentação anterior, o publico demorou um pouquinho para esquentar. Após o início do show com os dois grandes hits do primeiro álbum Everything Sucks e Trendy, e com o cover Monkey Man – canção do Toots & The Maytals que também foi reagravada por Amy Winehouse em seu disco de B-sides –, o público começou a vibrar mesmo a partir de Your Guts, cantando, pulando, dançando e, porque não, pogueando com músicas como Don’t Start a Band e Brown Eyed Girl –  outro cover clássico do repertório do Reel Big Fish de autoria de Van Morrison.

Parte fundamental da performance, os metais se de destacaram ainda mais em canções como em She has a girlfriend now e S.R, tocada em várias versões que fazem da execução desta música um dos pontos altos do show.

Como banda experiente que é, o grupo ainda deixou para o final as clássicas Beer, Sell Out e a incrível versão de Take on Me, do A-Ha, não sem antes fazer uma saída de palco programada. Clamando em coro por Beer, o público enlouqueceu quando o grupo voltou ao palco tomando… cerveja, of course. Nada como uma noite de Ska e cerveja para celebrar a volta do calor à Porto Alegre. Valeu cada bolha dos meus pés.

Goldfinger: poucas músicas, muita energia
Felipe Truda

O evento estava marcado para as 22h e, pontualmente neste horário, John Feldmann e companhia já estavam no palco abrindo a festa com Spokesman, do disco Open Your Eyes, o quarto da carreira da banda. A maioria do público, acostumada ao atraso rotineiro nos shows da Capital, ainda tomava uma cervejinha no bar ao lado.

John Feldmann adotou o visual dos anos 90

A casa começou a encher na segunda faixa: Counting the Days, o primeiro dos clássicos lançados nos anos 90, que tiraram lágrimas dos fãs mais nostálgicos. Feldmann parecia não ter envelhecido. Usava o mesmo terno e gravata e o cabelo descolorido do início da carreira. Os olhos arregalados, as sobrancelhas levantadas e o pulo giratório com a guitarra nas mãos tornavam impossível não reconhecer o enérgico frontman de uma das principais bandas da cena californiana de punk rock.

Na guitarra solo estava Aron Berret, do Reel Big Fish, quebrando um galho. O público mostrou conhecer o trabalho recente da banda ao cantar toda a letra de Get Up e San Simeon. No momento sentimental, Feldmann apresentou sua mulher ao público, e disse ter escrito Pick a Fight para ela.

Mas a empolgação maior veio quando o baterista Dangerous Darrin deu a introdução do primeiro hit da banda: Here in your Bedroom. Em meio à música, Feldmann brincava com o público, gritando e fazendo a galera repetir o grito.

Ao apresentar a banda, Feldmann chamou Darrin de “Pinto Pequeno”. Assim mesmo, em português, provocando muitos risos. O baterista mostrou saber o que o vocalista dizia quando usou a baqueta para sinalizar que o que seu amigo dizia não era verdade.

O Goldfinger ainda tocou o cover de Just Like Heaven, do The Cure, emendando com Open Your Eyes, outro som bem conhecido pelos fãs. E depois da mulher, foi a vez de Feldmann mostrar o filho Julian. Pegou o guri no colo, levou ao centro do palco e fez a galera entoar seu nome. O piá sorriu, apesar de parecer um pouco assustado e surpreso.

Quando os californianos executavam My Girlfriend Shower Sucks, um ska lento e cadenciado, o público já sabia que em seguida viria Miles Away, aquele punk rock que praticamente completa a faixa anterior no primeiro disco da banda. No intervalo entre as duas músicas, Feldmann fez suspense, provocando o público, até que o Opinião cantou junto a letra que começa questionando uma garota sobre o quão profundo é seu amor.

Durante a faixa, Darrin deixou a bateria e pediu um tênis. Prontamente atendido, usou o calçado de um fã como copo para beber cerveja. Um tanto nojento, mas muito engraçado. Em seguida, o Goldfinger colocou o Opinião para dançar ao executar Superman, o principal hit da história do grupo, e trilha sonora do jogo de videogame Tony Hawk Pro Skater.

A apresentação foi encerrada com a versão em inglês de 99 Luftballons, da cantora alemã Nena. Assim encerrou um show intenso, porém curto, no qual apenas 12 músicas foram suficientes para realizar o sonho de quem por muitos anos esperou pela vinda dos californianos à Capital.

Setlists

Reel Big Fish

Goldfinger

Foto: Fábio Codevilla

Assim como o Metronomy em setembro, o Cut Copy reviveu o new wave apoiado por doses cavalares de contemporaneidade no show realizado no último dia 19, no Bar Opinião, em Porto Alegre.

Aditivado por guitarra (Tim Hoey), baixo (Ben Browning), bateria (Mitchell Scott) e teclados (Dan Whitford, também voz e guitarra), o quarteto australiano revitalizou o gênero oitentista com linhas de guitarra bem definidas, baixo pulsante, percussão e synths vigorosos, variando entre o melódico e o explosivo.

A banda apresentou faixas do novo álbum, Zonoscope, e músicas do disco mais conhecido, In Ghost Colours (2008). Rolaram Take Me Over, Out There on the Ice, Nobody Lost Nobody Found, Where I’m Going, Pharaohs & Pyramids, Need You Now, Lights and Music e Hearts on Fire (sendo essas duas os pontos altos do show).

Veja Take Me Over:

O grupo se apresenta em São Paulo hoje, no HSBC Brasil, e amanhã no Rio, no Circo Voador.

> Veja fotos do show no flickr do Fábio Codevilla
> Mais vídeos no Youtube do Codevilla

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Fotos: Valdir Friolin

O Primal Scream resumiu 20 anos de rock eletrônico em um único show, ontem à noite no Opinião, em Porto Alegre, quando apresentou músicas do clássico disco Scremadelica. Mas é certo que citar “somente” 20 anos é pouco. E dizer que a banda toca “apenas” rock eletrônico, injusto.

Durante o show, os escoceses olharam para um passado ainda anterior ao lançamento do álbum de 1991, projetando seu som a partir do clássico rock norte-americano (base fundamental dos britânicos), da psicodelia sessentista contracultural, do hedonismo rave inglês dos 90, do gospel, do soul, do rhythm and blues, do jazz… E apontou para o futuro, pressionando dirty beats, explodindo stoned riffs, abusando de reverberações e de climas sensoriais sônicos. A contemporaneidade de Scremadelica se explica por si só, mas a letra de Come Together esclarece melhor a situação:

“All those are just labels

We know that music is music”

Sim, that’s fucking right, man!

As três primeiras músicas estabeleceram o tom do espetáculo. Movin’ On Up, com Bobby Gillespie genial, lesado ao natural e rockstar blasé por natureza, à frente de uma banda afinada e com groove incrível. Baixo (Ave Mani!), teclado, bateria e guitarra (Andrew Innes matador) em sintonia perfeita.

Slip Inside This House deixou clara a frágil potência vocal de Bobby. Se por um lado isso combina com o eterno estilo despojado e displicente do vocalista, por outro evidencia o abuso de ilícitos – Marianne Faithfull mostrou há poucos dias, durante show histórico no Porto Alegre Em Cena, que sua voz envelheceu melhor. Mas não importa. A vocalista Mary Pierce estava no palco para dar todo apoio ao cantor. Afinal, Screamadelica é um disco baseado em vocais femininos, bem como grande parte da música pop dançante dos anos 90. In Pierce we trust é meu novo lema.

Já Don’t Fight It, Feel It sintetizou ainda mais o show: dançante, elaborada, com muito groove evidenciado pelo baixo, guitarras fortes marcando presença e beats seqüenciados que, ao final, ganharam velocidade e peso num esquema hardocore imprescindível. Momento altíssimo da noite. Inesquecível.

O contraponto veio com Damaged, que esfriou o clima. Linda, abriu a sequência mais lisérgica do show, na qual o baixista Mani (ex-Stone Roses) recebeu uma pequena ovação. Rolou o downtempo de I’m Comin’ Down, a instrumental e absurdamente atual Inner Flight e a contemplação ácida, chapada e exótica de Higher Than The Sun. No palco, ela foi executada em uma super jam catártica, com guitarras no talo. Em seguida, a inexplicável Loaded, que sempre dá margem a abordagens roqueiras sob uma ótima Sympathy For The Devil, dos Stones.

Come Together deve ter sido uma das coisas mais incríveis que o Opinião já viu. Inspirada, fluida e muito leve, apesar das batidas bem presentes. Ao final, a galera cantou sozinha “Come Together as one” por dois minutos. Lindo.

O biss veio com faixas mais atuais, de rock puro, tradicional: a veloz e irônica Country Girl (do disco Riot City Blues), e as potentes Jailbird e Rocks (de Give out but Don’t Give Up).

A finalização foi pura microfonia causada por baixo e bateria duelando sozinhos sobre uma base pré-gravada em looping. Palco vazio, às escuras, e apenas uma luz branca tipo estrobo acompanhando. Aos poucos, a velocidade de tudo foi acelerando muito, chegando a um fim apocalíptico lembrando o clima dos discos visionários XTRMNTR e Evil Heat.

Primal Scream fez o maior espetáculo da Terra nesta semana.
Rock in Rio? O que é isso mesmo?

Vídeos:

Veja Movin’ On Up

Banda toca Slip Inside This House

> Mais Primal Scream

Fotos: Félix Zucco

Jack Johnson é um cara legal. Parceiro. Tão gente boa que no show de ontem, no Gigantinho, em Porto Alegre, parecia que ele estava tocando lá em casa. Como se um amigo tivesse batido à porta com violão e guitarra, assim do nada, apenas pra cantar e passar o tempo.

E nem precisou muita conversa. Jack é tão tranquilo que essa amizade de traduz mais em música do que em palavras. Ela se dá mais por meio de sorrisos e olhares tímidos do que pelo diálogo. Jack fala pouco, mas canta e toca muito. E foi uma lista gigante de canções. Em sua maioria, sucessos acompanhados por outros 12 mil amigos que estavam lá. Maior clima cool. Maior parceria.

É que a gente curte o pop praiano de Jack, com traços de surf music e resquícios de um folk algo havaiano, algo blues, algo roots. Esse lance nos faz bem. Por isso, os 12 mil cantaram junto a maior parte da série de hits executada por Jack e banda. E o havaiano curtiu muito. Ficou impressionado com a resposta da galera diversas vezes.

Do início com You and Your Heart, If I Had Eyes, Taylor e Sitting, Waiting, Wishing até a biográfica e excelente To The Sea (com guitarra e baixo rascantes em destaque, levando o pop doce do músico a praias mais alternativas), Jack deu o tom do que viria a ser a noite: uma alternância de canções harmônicas de sucesso, que já têm lugar cativo em corações e mentes.

A balada Traffic In The Sky veio emendada com Upside Down (uma faixa simples, utópica, naïf, e provavelmente por isso mesmo, ótima). Na mesma linha, o hit perfeitinho Flake foi tranqüilizante, bem similar à gravação original, assim como Do you remember e a extensa Bubble Toes, com sua boa mudança de ritmo e com o pianista Zach dando um show dentro do show.

Após Constellations, Jack pegou o ukelele para cantar Breakdown, Holes To Heaven e Banana Pancakes. Com o amigo G.Love, tocou Rodeo Clowns e deu espaço para o baixista Merlo mandar um rap ao estilo Beastie Boys em Staple It Together, que veio colada com trecho de Mas que Nada, do Jorge Ben Jor. Delírio. Ainda mais com a qualidade de som imposta pela produção.

O show tomou a reta final com Good People, Times Like These, Angel e Better Together, executada depois de Jack dizer que o Brasil é um dos melhores lugares onde tocou. E se o Brasil é um dos melhores lugares para se tocar, lá em casa é O melhor lugar. E aposto que 12 mil pessoas pensam o mesmo.

Abertura

G.Love, parceiro/pupilo de Jack, fez o show de abertura. Eu estava curioso, querendo saber o que ia rolar. E foi uma boa surpresa. O cara é uma espécie de road movie em carne e osso que te leva direto a um Mississipi mítico tomado por blues forjados a violão e gaita.

O músico foi de uma entrega total em músicas praticamente etílicas, e se superou em Who’s Got the Weed?, um very high rap acústico sobre maconha, com direito a um discreto beat box. Sem trocadilhos, a canção lembra Beck – o cantor.

Vídeo: Jack Johnson, You and Your Heart

Vídeo: G.Love abre para Jack Johnson

* It’s Fucking Boring to Death

* Não Me Mande Flores

* TrashMan

* groove trash funk metal muthafucka rock

* Edu K mandando um ‘abraço’ pro Eduardo Herrera

* Edu K zoando Engenheiros do Hawaii

* A banda não querendo tocar Tinha um Guarda na Porta – mas tocando mesmo assim…

* Conversar com figuras da intelligentsia local

* Encontrar amigos que não via desde… hããã… 1987?

* Beber rum com a Sil

Fotos: Diego Vara

>>>>> Entrevista: Edu K

Fotos: Ricardo Duarte

Quando os primeiros acordes de Dressed for Success foram disparados do palco do Pepsi on Stage, por volta das 21h40min desta terça, dia 12, o público experimentou uma sensação de viagem no tempo. Era como se Porto Alegre tivesse sido jogada para o começo dos anos 1990, quando as músicas de uma banda sueca estouraram nas rádios brasileiras, enquanto na pista uma multidão enlouquecida de adultos voltava à adolescência para curtir uma última reunião dançante de uma era marcada pelo som do Roxette.

>>>>> Veja a galeria de fotos

O “yeah yeah yeah” de Marie Fredriksson foi a deixa para a transformação. Ainda que acompanhada por um breve momento de estranheza. Marie já não se move como antes, já não solta agudos como antes. Mas a vocalista, que sobreviveu à retirada de um tumor do cérebro em 2002, supera qualquer obstáculo imposto pela doença e esbanja simpatia durante as quase duas horas de apresentação.

O guitarrista e compositor Per Gessle toma a frente ao final da segunda música, Sleeping In My Car, para disparar um “obrigado” ao emocionado público. Aos 52 anos, posando de garotão, ele é o fiel escudeiro de Marie e cuida dela no palco para que tudo saia bem. A fórmula é fácil: ele agita, canta e toca bem, troca sorrisos com a parceira e com a platéia, distribui palhetas, e dá espaço para que os demais companheiros de banda façam parte do show. Ela canta com sua voz doce, seu sorriso sincero e sua dança esforçada. Aliás, Marie cativa tanto que em alguns momentos, quando se tem uma ligeira sensação de playback, todos relevam. Ela é maior que tudo.

Às 21h54min, com todos aquecidos após The Big L, surge o primeiro hit lento: Wish I Could Fly. Era o convite para casais e amigos, após delírio geral, deixarem o palco em segundo plano para uma rápida dança com rosto colado, cena repetida com Perfect Day (tocada após Only When I Dream e She’s Got Nothing On) e depois em outras baladas. Em seguida, sem bateria e teclado, saiu Things Will Never Be The Same. E, então, mais um clássico: It Must Have Been Love.

As duas músicas tocadas a seguir, Opportunity Nox e 7Twenty7, foram para agitar o público, que fez tremer o local. Foi quando os demais integrantes da banda ganharam espaço, mostrando que não estavam lá só para fazer figuração da dupla principal.

Mas era hora de voltar ao passado de novo e a escolhida foi Fading Like a Flower (Every Time You Leave), música que Marie terminou com uma rosa em mãos. Em seguida, Stars preparou o terreno para outros dois grandes sucessos: How Do You Do! e Dangerous. E após breve pausa para apresentar a banda – tempo em que o guitarrista solo levantou a plateia com a execução do hino do Rio Grande do Sul –, a primeira parte do show terminou com Joyride.

Mas foi muito rápido. Um minuto depois eles já estavam de volta, mas com funções trocadas: tecladista assumiu o violão, vocalista apareceu nos teclados. Tudo para desempenhar Watercolours In The Rain. Depois, com cada um na sua novamente, foi a vez de outro hino (agora, um sueco): Spending My Time, entoado em peso pela massa. E The Look fechou o primeiro bis.

As últimas três músicas foram Way Out, o sucesso Listen To Your Heart e a acústica Church of Your Heart, que teve Gessle na harmônica.

Às 23h26min, acabava a viagem no tempo aos embalos do Roxette.

– Foi o melhor show da minha vida – resumiu Marcos Franz, 32 anos, que saiu de Chapecó às 13h e encarou seis horas de estrada com o amigo Rafael da Luz para ver o show na capital gaúcha.

O sonho de mais de 12 mil metaleiros foi realizado na noite desta quarta no Gigantinho, em Porto Alegre. Ozzy Osbourne, a maior lenda viva do heavy metal, se apresentou em grande estilo e levou ao delírio aqueles que sempre sonharam em vê-lo em carne e osso. Como vem acontecendo na turnê Scream, o astro intercalou sucessos de sua carreira solo com hits dos tempos de Black Sabbath.

Nota zero para os organizadores do show. O espetáculo estava marcado para as 21h, mas a banda de abertura, Gunport, entrou no palco por volta das 20h, quando ainda havia fila perto do Gigantinho. Pontual em excesso, Ozzy entrou no palco antes do horário previsto. Um dos portões de acesso à pista foi fechado por um produtor antes do público entrar, forçando os fãs a entrarem pelo outro, que, por sua vez, congestionou, causando confusão e desencontros.

O fato leva a uma reflexão: não seria o caso de um espetáculo de tal magnitude acontecer em um local maior? Falta em Porto Alegre uma praça para sediar este tipo de evento?

Gunport mostrou um metal honesto. Com pouca velocidade, porém com guitarras pesadas, uso de teclado na medida certa e um vocal competente. Mesmo assim, foi hostilizada pelos mais impacientes, que pediam logo por Ozzy Osbourne.

O ídolo entrou no palco disposto. De nada lembrou a figura catatônica da entrevista que foi ao ar no último domingo no Fantástico. Andava pelo palco, gesticulava. Jogou água no público e na própria cabeça usando um balde. E pedia ao público:

— Enlouqueçam!

Por ser quem é, Ozzy pode se dar ao luxo de tocar ao lado de músicos de muita qualidade. Destaque para o guitarrista Gus G e para o baterista Tommy Clufetos, donos de uma técnica muito apurada.

Faltavam cinco minutos para as 21h quando o senhor entrou no palco, com o andar curvado, mas cheio de vontade. Talvez tenha sido a única pessoa da história a não levar vaias enrolado em uma bandeira do Grêmio em pleno Gigantinho. Afinal, iniciou um clássico: Bark at the Moon. Em seguida, entoou Let Me Hear You Scream, a faixa do novo disco que dá origem ao nome da turnê. O ginásio foi abaixo.

Foto: Ricardo Duarte

O espetáculo estava só começando. O público vibrava muito. E Ozzy mostrava que pode ter inúmeros problemas, mas ainda é bom no que sabe fazer. A vibração ficou ainda maior quando o ídolo entoou:

— Mister Crowley…

Era a música dedicada a Aleister Crowley, considerado um dos maiores magos da história recente. Mais um clássico, que foi seguido de I Don’t Know.

Foto: Ricardo Duarte

A partir da quinta faixa, entravam no repertório também os clássicos do Black Sabbath. O primeiro deles foi Fairies Wear Boots, despertando o saudosismo dos velhos fãs da banda pioneira do heavy metal. A polêmica faixa Suicide Solution foi a seguinte. Mas a platéia se arrepiou mesmo quando Ozzy cantou War Pigs, mais um som do Sabbath, emendado a Shot in the Dark. Os fãs se deleitaram com os solos de Gus G e baterista Tommy Clufetos. Depois, cantaram juntos mais um clássico: Iron Man. Ozzy saiu de cena, e a banda executou a instrumental Rat Salad, outro cover do lendário grupo de metal.

O show parecia estar encerrando com I Don’t Wanna Change the World e Crazy Train, hit que foi cantado pelos milhares de fãs em êxtase. Mas o palco ficou vazio por pouco tempo. Ozzy e sua banda voltaram para o bis em tempo recorde. E muitos isqueiros foram acesos na plateia ao som da balada Mama, I’m Coming Home.

Foto: Ricardo Duarte

Em seguida, Ozzy se mostrou aquele egocentrismo que os fãs já conhecem ao pedir a si mesmo a execução de mais uma música. Afinal, ainda faltava o clássico dos clássicos, talvez o maior hit da história do heavy metal: Paranoid. Depois de cantar e pular a empolgante música, chegou a hora de acordar. O sonho de ver de perto o maior símbolo de um estilo musical foi realizado. Muitos carregavam consigo aquele sentimento que só quem vê seus ídolos conhece: o de quem diz “já posso morrer”.

Depois de POA, Ozzy segue para shows em São Paulo (dia 02), Brasília (05), Rio de Janeiro (07) e Belo Horizonte (09).